Mes: noviembre 2022

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Editorial

EL rock como patrimonio cultural

A lo largo de la historia, el rock ha sido un género musical reconocido a nivel mundial. Este tiene grandes exponentes como: Led Zeppelin, Metallica, AC/DC, RHCP, Rolling Stones, Guns N’ Roses, Slipknot, Iron Maiden, Def Leppard, Rammstein, Pearl Jam, Bon Jovi, U2, Aerosmith, Foo Fighters, Lynyrd Skynyrd, Pink Floyd, Megadeth, The Who, Deep Purple, Scorpions, entre otros. Estas siendo bandas que corresponden a las más clásicas que siguen vigentes y llenando estadios, lo que permite afirmar al rock, que en sus 50 años de historia aún sigue vivo. Sin embargo, es necesario señalar que el estilo musical logra competir con los nuevos géneros que tienden a predominar la industria tales como Ye, Ariana Grande, Dua Lipa, Bad Bunny, Taylor Swift, Harry Styles, Billie Eilish, The Weeknd, Post Malone, Justin Bieber, Ed Sheeran, Rosalía, Rauw Alejandro, Karol G, Anuel AA, Quevedo, Arctic Monkeys, Selena Gomez, Katy Perry, Rihanna, Maroon 5, Coldplay, entre otros. 

Desde una perspectiva local, en Chile, desde el año 1961, el rock se empezó a inculcar con la poca música que llegaba del extranjero. También aparecieron las primeras bandas nacionales, como los Ramblers en el año 61; posteriormente, los Jaivas en el 63 y Congreso en el año 69. Estas bandas aún no se podían establecer como rock nacional al ser consideradas música folclórica de carácter andino o similares. Ya en los años 80 se evidenció un cambio gigantesco, con la llegada por exportación de bandas como Virus y Soda Stereo, se instauró al rock como un sonido de la juventud que reflejaba la sociedad como ellos la percibían. Ya en el año 83 nace el gran grupo de rock nacional Los Prisioneros, con letras plagadas de cuestionamiento social por el gobierno militar esto captó la atención de los jóvenes inmediatamente, y se transformaron en la voz de expresión de los jóvenes reprimidos. Eso simboliza el rock como un estilo y esencia para jóvenes que trasciende generaciones, es un estilo que refleja la identidad y los ayuda a expresar (Carolina Urra, 2006).

 

Lo anterior, permite señalar una gran controversia respecto a la relación que se puede establecer entre estos dos opuestos musicales. El contraste entre ambas  se genera a partir de factores como la brecha generacional, el contexto histórico, la modernización de la industria, los métodos y herramientas de grabación y el más importante: la mentalidad de la gente. Esta evolución de la música demuestra que la música pasó de un sonido crudo, duro, distorsionado a uno más robótico, sintético y computarizado, mucho más artificial en comparación al rock donde los artistas tocan sus propios instrumentos generando un concepto de genuinidad en sus composiciones; el público de la música rock suele representar a un grupo en particular, su estética está condicionada a la autenticidad de ese sonido. Así, se puede señalar como una música que pretende entregar algo más que ventas en los auditores. Finalmente la diferencia entre el rock y el pop podría radicar en el enfoque comercial que tiene este último, aunque muchos exponentes del rock han alcanzado ventas millonarias que llegan a igualar o superar al producto popular del momento. (Morris, 2013) 

 

Por otro lado, en cuanto a su relación al patrimonio cultural, este último debe entenderse como aquel formado por bienes y servicios culturales que han llegado por la historia a una sociedad en particular, y por aquellos que se crean en el presente, clasificándose en tangible e intangible. El patrimonio tangible es aquella expresión de la cultura a través de realizaciones materiales; mientras el patrimonio intangible es el que nos interesa consiste en elementos con características difícilmente medibles y almacenables. Se refiere a ritos, modos de vida, creencias o expresiones musicales que, generalmente, integran la cultura popular. Estos elementos culturales dan testimonio de las tradiciones humanas, no solo cumplen la función de instituir un pasado, sino también de crear identidades actuales que en la sociedad son fácilmente politizadas. (Morris, 2013)




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Columna de opinión

El metal afecta de forma positiva a la mente

Hoy en día existen muchos estudios que demuestran que la música afecta a la mente, para ello se alude a géneros musicales como el pop, rock, jazz, rap, etc. Sin embargo, existe evidencia empírica que permite añadir a las categorías anteriores la incidencia del Metal. La música puede afectar de muchas formas en la vida del ser humano, ya que tiene un rol fundamental: formar y moldear la personalidad de un sujeto. Lo que implica gustos, creencias o incluso la forma de vida. Lo anterior, permite entender la música como un arte fascinante dado que incide en el ser humano provocando sentimientos y emociones que se ajustan a nuestra situación actual o estado de ánimo. Uno de los puntos antes mencionados más sorprendentes de la música es su capacidad para formar la personalidad de una persona, permitiendo otorgar un sello de identidad y cultura. De esta forma,el estilo musical puede ser algo importante en temas mentales, pero ¿Cuál es la razón de ello? Esto ocurre porque la música libera dopamina, que es un mecanismo de nuestro cerebro que activa un respuesta cerebral que se llama circuito de recompensa que genera querer sentir esa sensación o sentimiento, es decir, provoca una necesidad.  Asimismo, se ha demostrado que los diferentes tipos de géneros musicales afectan a las personas. Un ejemplo es el Jazz , el que tiende a provocar una sensación de tranquilidad, pero si pensamos en el polo opuesto, como el estilo metal, ¿qué provoca en las personas? (Manes, 2015; Rodriguez-Hernández, 2018) Según la ciencia (Burgin, 2015), escuchar metal o heavy metal ayuda a la mente. privilegiar este tipo de música no quiere decir que seas un asesino en serie o una persona violenta, al contrario, puede ayudar en la salud mental, señala Javier Bragado (2022) para Men´s Health. Hay muchos géneros de música y ninguno está por sobre otro, todo depende de los gustos de la persona, pero este género en específico, ayuda de igual manera a nivel cerebral. Diversos estudios de la Universidad de Queensland en Australia, experimentaron con el estilo metal, la investigación consistió en que a personas metaleras les hacían recordar o rememorar momentos de angustia o de rabia, escuchar metal y después comentar cómo se sintieron. Muchos señalaron que la música hizo que volvieran a tener pensamientos positivos e inspiradores; por otro lado, el estudio también dice que  ayuda a reducir los niveles de ansiedad y depresión, ya que además de que sus notas transmiten una gran emoción, la persona adquiere mayor confianza en sí misma. Un estudio hecho por Stephanie Wright (2019) para Psych Central,  establece que si existe una inclinación hacia este género, puede ayudar a reducir tus niveles de cortisol, lo que por ende reduce el estrés y  además, se reducen pensamientos negativos que te agobian. Nick Perham (2019) profesor de la Universidad Metropolitana de Cardiff,  realizó varios estudios sobre los efectos del metal en las emociones de las personas y sus resultados fueron publicados en la revista “Neuroscience News”. Los fans del metal que se enfadaron y luego escucharon heavy metal, no aumentaron su ira, sino que incrementaron emociones positivas, lo que puede significar que escuchar música extrema representa una forma sana y funcional de lidiar con la ira y la frustración. La Universidad de Arizona en Estados Unidos, publicó el año 2018 que las personas oyentes de este género tienen niveles más altos de felicidad y calma, y que son menos propensos a tener algún remordimiento. Lo antes expuesto nos permite concluir que este género favorece a que las personas sean más propensas a la felicidad, a reducir los niveles de estrés, ansiedad, depresión, entre otras cosas. Sin embargo, también es relevante señalar que hay muchas personas que denostan este género, y está bien, cada uno tiene diferentes gustos, pero todos esos estilos musicales llegan a lo mismo, ayudan a la mente.

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Reportaje

El regreso de John Frusciante a RCHP

El guitarrista John Frusciante anuncia su regreso a la banda de funk-rock RHCP y anuncian nuevo disco después de 6 años

Se une a un extenso grupo de artistas que han vuelto a sus bandas, y mantienen viva la esencia del género

 

El guitarrista había estado alejado de la banda desde el año 2009 

 

La banda de funk-rock anunció el pasado 16 de Diciembre del 2019, la vuelta de su guitarrista más exitoso, con quien grabaron los discos “Blood sugar sex magik”, “One hot minute”,  “Californication”,  “By the way” y “Stadium Arcadium”.

 

John Frusciante, nació  el 5 de marzo de 1970 en Nueva York, dio sus primeros pasos con la guitarra a la edad de 9 años. Inspirado por guitarristas como Jimi Hendrix y Jimmy Page. Frusciante llegaba a tocar hasta 10 horas diarias, hasta que a la edad de 16 años dejó el instituto y se mudó a California, en donde conoció a Red Hot Chili Peppers, banda a la que se unió desde 1989 hasta 1992, ya que en dicho año se tuvo que apartar del grupo debido a una fuerte adicción a las drogas. Después de un proceso de rehabilitación, Frusciante volvió a la banda el año 1998.

El año 2009,Frusciante firmó su segunda salida del grupo para enfocarse en su carrera como solista, y el pasado 2019 volvió a RHCP después de 10 años 

 

Con esto, Frusciante sigue los pasos de otros artistas que han vuelto a sus grupos originales, así como Adrian Smith, guitarrista líder de Iron Maiden quien dejó la banda en 1989 para volver en 1999. También se puede mencionar a Zack de la Rocha, vocalista de Rage Against the machine, quien volvió a reunirse con la banda el 2020.

Esto solo habla del impacto que tienen las bandas de rock-metal hoy en día, que a pesar de no ser el género más popular, siguen llenando los escenarios como si estuvieran en sus mejores momentos. Es así que bandas como Megadeth, a pesar de cambiar constantemente de artistas, su vocalista, fundador y guitarra rítmica Dave Mustaine, ha mantenido viva la banda. AC/DC, que también sufrió con la muerte de su guitarra rítmica Malcolm Young el 2017, sacó nueva discografía el pasado 2021, Paul McCartey y Ringo Starr, miembros del icónico grupo de The Beatles, hoy en día siguen tocando como solistas y manteniendo viva la esencia del rock,

 que no solo es un género, si no un símbolo que perdurará por generaciones



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Comentario Crítico

The Smiths - The Queen Is Dead La consagración de la disruptiva banda

The queen is dead es un álbum estrenado el año 1986, que consta de 10 canciones y es considerado como el disco de consagración de la banda británica.  Este es acompañado por la aclamada portada diseñada por el propio Morrissey, basada en el imaginario de la película francesa “L’Insoumis” de Alain Delon. Un estilo bastante alternativo, o esnob, es lo que caracteriza el carácter musical del disco, claro está que la calidad de las canciones es intransable cuando se habla de los oriundos de Manchester, más aún en esta obra consagratoria, que mezcla tintes provocativos y atrevidos, nostálgicos, y el clásico estilo de rock alternativo de la banda, presente en los instrumentos, más la adición de la prodigiosa voz de su líder, el polémico Morrisey.

 

Unos ingeniosos cánticos que corresponden al más puro estilo british music hall dejan paso a unos ya memorables redobles de batería que provocan el deleite al oyente, con la entrada de Morrissey en pleno estado de gracia en todos los aspectos. “The Queen is dead” (tema homónimo),es una carta de presentación ideal a lo que será la tónica general del disco, letras fuertes, agresivas y deprimentes, con mensajes (redundantemente) depresivos, en la lírica de la canción se evidencian álgidas críticas hacia la monarquía. 

  1. Sin más preámbulo, Al hablar sobre “There Is A Light That Never Goes Out” pieza que en lo personal me parece de lo mejor de la banda, ya que cumple todos los requisitos que necesita una canción para ser considerada una “obra maestra” :
  2. La música, 2. Obra musical, 3. Performance, (Guijarro,2012.) Además cumple con provocarle al escritor un disfrute incomparable encapsulado en los 4 minutos y 4 segundos que dura lo que personalmente considero un himno; el que está marcado por las referencias directas e indirectas de la canción, el hedonismo presente en la búsqueda del protagonista por rehuir del dolor y perseguir la felicidad, la soledad que se ve retratada en la frase “I never never want to go home because i haven’t got one” y un sinfín de otros elementos descubiertos y por descubrir en lo que es sin duda una obra maestra musical. (Aiello, 2021).

A modo de cierre, opino que todos los argumentos expuestos defienden la tesis de la misma, The queen is dead es un álbum magistral, que cumple con los requisitos para ser llamado como tal, y me parece un disfrute al oído. 

 

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Propaganda

Slogan:La música más que un producto un medio de expresión

Mensaje icónico y mensaje de texto:La música es el arte de comunicar y expresar los sentimientos mas profundos.La musica, muy fácil de amar pero difícil de olvidar 

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Reseña

Techymuv: el rap chileno en su 

máxima expresión




FICHA TÉCNICA:

Título del álbum: Techymuy

Año: 2016

Discografía: Indajausman

Artista: Chystemc

Género: Rap

RESUMEN:

El disco “Techymuv” interpretado por Diego Torres, más conocido por su nombre artístico “Chystemc”. Gracias a la ayuda de Pablo La´Ronde en la guitarra y DJ Transe en los beats, Diego fue el encargado principal de grabar, editar y mezclar su propio álbum en el estudio de Indajausman. Techymuv tuvo tres adelantos previos a su lanzamiento: “Ella” un 14 de febrero de 2013, “Verbal Streets” un 8 de junio de 2014, y “Saaae” un 14 de abril de 2015. Posterior a eso, el disco vio la luz un 11 de noviembre del año 2016, contando con 17 canciones, todas del género rap/boom bap. Diego empezó a formar este disco desde el año 2010, posterior a la salida de su anterior sello “La paranoia del Psycho Joke Fú”. (Gutierrez, 2016)

SÍNTESIS:

A diferencia de su álbum previo, “La paranoia del Psycho Joke Fú”, Techymuv  presenta una estructura temática en base a su trayectoria hacia la adultez abordando la pérdida de su madre durante su madurez. Esto se refleja en temas como “Mi fe”, donde hace alusión a la superación de las adversidades; por otro lado, el tema “I love You a lo Vio”, evidencia el agradecimiento al hip-hop apelando a la ayuda que le brindó en cuanto a la expresión de sentimientos y emociones; asimismo, “Guantes de Lana”, tema que revela una parte de su ser y de sus emociones, comienza en sus primeros versos reflejando su antiguo pensamiento y deseo de juergas y jolgorio, no obstante, en la mitad del proceso de creación del tema, surge el fallecimiento de su madre (La Junta, 2020). El hecho anterior, recae en algunos versos que ahondan y profundizan en la ausencia de su madre de una manera mucho más reflexiva donde, incluso, lo grafica de manera explícita, pues señala textualmente cuánto extraña la presencia de su madre. Siguiendo con la línea del amor, existen otros temas, como «Ella», que refleja en lo más puro este sentimiento, pero esta vez dirigido a Aly Mayely, su actual pareja y madre de su hijo. Tal como señala FRANK-T, para hacer rap tienes qué mezclar Jazz, Soul, Rock, Country, Folk, etc. A esto le agregas un bombo y un bajo y así obtienes el rap (Joan Sandín, 2015). Esto se ve evidenciado en el disco de Diego, en el cual mezcla diferentes géneros sin encasillarse en alguno en específico, desde el rock en “Ma Ar Ei Pi”, hasta el soul en “Just To Love”, logrando así esa conexión con la esencia principal del rap.

Para culminar, Techymuv es un ejemplo de la esencia del rap, puesto que posee aquella libertad de mezclar diferentes géneros para así expresar sus sentimientos mediante un mensaje. Esa libertad le permite ahondar mucho más las libertades qué de por sí brinda la música, y a su vez representar esa esencia mítica del rap. Techymuv sin duda marcó la historia y dejó una marca dentro del rap chileno.